Mireia Ruiz, artista

«As emoções também podem surgir quando confrontados com um bom design»

Mireia Ruiz é uma artista plástica que vive e trabalha em seu ateliê em Barcelona. Hoje dedica-se à sua paixão artística, abordando o uso da cor como ferramenta comunicativa.

Você estudou design gráfico, mas é, acima de tudo, autodidata, certo?
Minha formação é em design gráfico, mas na verdade aprendi de forma autodidata em diversas áreas como: fotografia, cenografia de produto e artes plásticas. Considero-me uma pessoa curiosa e gosto de aprender novas técnicas e ferramentas para concretizar as minhas ideias e projetos. Como professora encontro alunos que ficam estressados ​​em verificar se sua escolha nos estudos foi a correta, como algo imóvel, procuro dar-lhes a minha experiência como exemplo. É normal e não deve ser assustador que uma pessoa ao longo da vida possa mudar de profissão e agregar novas.
conhecimento.

Atualmente dá aulas no IDEP. Como são as coisas do outro lado?
Observo muitos medos, principalmente desconfiança em suas capacidades criativas. Eu foco muito em reforçar essa parte, procuro fazer com que eles vejam os pontos fortes deles, não só os fracos. E insisto que é uma corrida de longa distância, a escola é uma formação para o mundo do trabalho. Insisto muito nos autoprojetos para demonstrar o que são capazes de criar sem esperar o trabalho perfeito. Esses resultados inesperados que advêm da própria inquietação podem atrair clientes que se deixam seduzir por esse frescor e constância. A consistência é essencial no mundo criativo, acredito que essa faceta causou o que conquistei na minha carreira profissional.

Para você, a cor é muito importante. Porque?
A cor é uma linguagem visual que afeta o humor de quem a percebe, por isso tenho interesse em explorar as diferentes gamas cromáticas e como as pessoas reagem à cor. Principalmente com as cores mais saturadas, que exaltam muitas emoções e podem te preocupar; Pelo contrário, as gamas neutras ou análogas relaxam e mantêm-no num ambiente mais confortável.
Considero-me uma criança dos anos 80 e a explosão de cores teve um grande impacto em mim, seja no mundo da moda, da gráfica ou do mobiliário. Guardo com carinho um livro do grupo Memphis, fundado em 1981, designers, arquitetos e artistas gráficos milaneses que se reuniram em torno do grande Ettore Sttsass. Eles marcaram aquela explosão de cores vivas, unindo formas e materiais inusitados que fazem sonhar em um ambiente provocativo e criativo.
E de uma forma muito mais particular e pessoal, a cor marcou toda a minha infância, já que minha mãe me obcecava com combinações nas roupas. Eu tinha tênis em quase todas as cores que combinavam com alguns itens do meu armário. Para mim a cor era uma brincadeira diária, e na minha adolescência tive momentos em que me vestia completamente de azul, vermelho, rosa...
Todas essas experiências e influências são derramadas no meu trabalho. A escolha cromática nos meus projetos é fundamental, costumo pensar muito nisso, e depois dessa escolha sou fiel até finalizarem, chamo isso de “pacto de cores”. Acho que o segredo é não ter medo da cor e senti-la, deixando de lado o significado que a nossa cultura pode lhe dar, pois pode nos condicionar. «Qualquer cor, por mais que você odeie, se você praticar pode acabar adorando.» Essa reflexão é de Josef Albers, referência na prática da cor, que ele menciona em seu livro ‘Color Interaction’, e ele tem razão.

Estamos continuamente envolvidos com design, mas a arte é mais pessoal. Você acha que a arte deve sempre despertar emoções?
O design ajuda-nos a comunicar uma mensagem, ajuda-nos a encontrar soluções e tem uma função específica, limita-se ao briefing, às necessidades de comunicação do cliente e à compreensão do receptor, é o cabo de ligação e deve funcionar. Por outro lado, a arte estrutura-se a partir da mensagem do artista, mas, ao contrário do design, pode ser menos explícita, tornando-a muito mais livre. Isto é, há uma mensagem, mas o meio de transmiti-la pode ser tão discreto que é por isso que falamos de “sentimento”. Se pensarmos bem, os sentimentos são mais complexos, podendo ser subjetivos, ao mesmo tempo que a arte pode despertar sentimentos diversos dependendo de quem os recebe, podendo até levar a reflexões pessoais a partir do trabalho do artista. Para mim a arte e o design têm uma mensagem, mas no design é mais evidente e na arte é mais intuitivo, o artista deixa uma certa liberdade de interpretação, que é onde podem nascer sentimentos ou emoções. Acho que não se trata de deixar as emoções limitadas no mundo da arte, as emoções também podem surgir diante de um bom design. Mas para explicar certas obras de arte é mais fácil falar delas com sentimentos, principalmente se falamos de arte abstrata.
É um tema bastante complexo, sabendo que embora arte e design não sejam a mesma coisa, muitas vezes se interpelam. E a liberdade que a arte goza facilita a experimentação de novas linguagens visuais, algo que alimenta o mundo do design.
Se trabalhassem mais de mãos dadas: arte, design, engenharia e ciência, muitos projetos seriam resolvidos de forma mais criativa, funcional e emocional. Refiro-me a isto porque há sempre uma tendência para separar perfis profissionais, algo que é praticado no Mit Media Lab em Massachusetts.

Em sua biografia, ele diz que sua principal motivação é “pintar meus trabalhos com cores para transmitir uma mensagem positiva e desenvolver um universo paralelo”. Como seria esse universo utópico?
Um universo utópico seria empático, gentil, respeitoso, pacífico... todas essas características que nos tornam bons. Esse lugar está construído em nossas mentes, podemos melhorar o presente e aproximá-lo da utopia. Embora a realidade seja tão complexa e difícil que é difícil de imaginar, acho que é por isso que construo o meu próprio lugar através das minhas obras. A cor é a ferramenta visual que transmite essa positividade, que nasce da natureza limpa e autêntica, que me distancia da escuridão que carregamos dentro de nós. Vivemos o sofrimento, a ganância, o individualismo e um longo etc. de misérias que nos tornam humanos ao mesmo tempo. Somos bons e maus, exercemos o bem e o mal, esta luta de forças tem um fim. Não tenho a solução, não sou cientista, não sou político, não tenho um cargo de destaque no conselho, mas posso projetar uma certa energia através do meu trabalho.

O seu trabalho é maioritariamente pictórico, acrílico sobre tela, mas também sobre papel ou madeira. Até que ponto os materiais são importantes?
A matéria é importante porque é tangível e limitada. Sempre gostei de trabalhar com tinta porque tem um poder transformador. Pinto objetos que encontro ou resgato e lhes dou outra chance. Temos a tendência de jogar fora muitos materiais e não podemos nos dar ao luxo desse luxo. Uma tarefa que adoro é trabalhar com sobras, pedaços ou restos de madeira. A madeira é um material nobre e finito que precisa de tempo para crescer. Dói-me ver cadeiras, tábuas, móveis no lixo, por isso procuro coletá-los e transformá-los em colagens. É uma forma como tantas outras de reaproveitar o material, pois, diferentemente da tela onde estabeleço o que quero e como quero, com esse outro processo não é o que eu quero, mas o que tenho, o que é oferecido a meu. Por isso não sei como será o trabalho no final, tem um efeito surpresa para mim, não decido parte do trabalho, ele é construído com minhas decisões mas não consigo controlá-lo totalmente . Isso também me faz lutar de alguma forma com as premissas da perfeição, sem erro, sem experimentação e controle... o que pode ser sufocante.

Expôs, sobretudo, em exposições coletivas. Para um artista é difícil expor seu trabalho individualmente?
Na verdade as propostas que recebi foram colectivas e por outro lado não me propus fazer uma exposição individual. É uma questão mais pessoal, penso que por falta de confiança e de tempo, visto que sempre combinei o meu lado artístico com o do design ou da fotografia, por isso não tenho conseguido concentrar-me na criação de uma exposição que enfoque um tema e um conjunto de obras que o expressam. A boa notícia é que este ano quero consegui-lo e, se tudo correr bem, no final do ano farei a minha segunda exposição individual em Barcelona.

Você acha que a arte não é valorizada o suficiente? Ou seja, a nível escolar, por exemplo... Ou a nível social, certas manifestações artísticas como a arte de rua...
O desenho é a primeira ferramenta comunicativa que utilizamos quando crianças, antes da linguagem. À medida que você cresce, tende a valorizar a técnica, deixando de lado a liberdade e a experimentação. É por isso que você sempre ouve dizer “não sei desenhar”, acho que seria mais correto dizer: não gosto ou gosto. Acadêmica e socialmente, eles ensinam que se você não reproduz bem as proporções ou a luz, principalmente o realismo, você não tem mais utilidade. Para mim isso é um erro que me condicionou pessoalmente, existem muitas formas de se expressar artisticamente.
A arte não é a profissão que tem melhor reputação, todos conhecemos a vida miserável de muitos artistas, conhecendo até as carreiras de sucesso de alguns dos mais famosos. Algo que certamente acontece em outras profissões, mas a arte, como ele ressalta, não tem o mesmo valor.
Talvez seja algo relacionado com o valor dado à cultura, quando sabemos que todos precisamos sentir, ver, interpretar e desfrutar da arte. Falando em arte de rua, que pode ser irritante se não for exercida com permissão, penso que se o muralismo fosse incentivado nas cidades poderíamos ter um museu ao ar livre, para todos, poderia encher de vida e reflexão as ruas cinzentas.

Dos seus clientes e colaborações, você se lembra de algum em particular?
A colaboração de que me lembro especialmente é a que fiz com a marca australiana Gorman Clothing. A cada temporada ele colabora com um artista e, a partir de seu trabalho, cria uma coleção limitada. Ver minhas pinturas passarem de sentadas na parede, paradas, transformando-se em estampas e ganhando vida com a moda, foi incrível. Uma experiência pela qual me apaixonei e continuo colaborando com outras marcas de roupa, é uma sensação emocionante vestir-se com a sua própria arte. Pude visitar Melbourne e conhecer toda a equipe que tornou isso possível, ver as lojas com meu nome nas vitrines, me senti muito respeitado e valorizado. Esta colaboração abriu as portas para muitas outras.

Como você aborda as colaborações?
Quando trabalho para colaborações, independentemente do produto a tratar, tudo parte do meu trabalho anterior. Antes de começar, peço aos meus clientes que avaliem meu trabalho, pois me expresso de diferentes maneiras, e me mandem os trabalhos que mais os entusiasmam. E aí eu começo a trabalhar com essa base, aí envio as propostas para eles e assim ficamos mais próximos de um resultado comum. Parte do meu trabalho é criar para mostrar o que posso fazer.
Todos os meus projetos estão intimamente relacionados com a minha imaginação, por isso para mim não é muito diferente aplicá-lo em qualquer formato.

Nas embalagens destaca-se a edição limitada da Torres Brandy Jaime I, com caixa assente na pintura da barrica onde estagia a aguardente. Você pode nos contar sobre essa colaboração?
A colaboração para Torres Brandy tem sido uma encomenda muito interessante pela intenção e pelo formato. Que uma marca de prestígio destaque artistas atuantes é uma ação muito gratificante para ambas as partes. Como adoro pintar, assim que me explicaram que o desafio era pintar um barril fiquei imediatamente entusiasmado, e sabendo que faria parte de uma coleção especial de muitos outros artistas, não hesitei em aderir ao projeto .
Para me inspirar, fiz uma visita guiada às suas instalações e explicaram-me detalhadamente todo o processo de elaboração da aguardente Jaume I, um trabalho que exige paciência e tempo.
A primeira coisa que vi foram os campos de vinha, a terra e a sua textura, as uvas e as suas formas, uma formiga que cruzou o meu caminho... Costumo prestar atenção a esse tipo de detalhes. Como a textura da madeira do barril, o brandy e a sua cor, os reflexos numa garrafa tão especial, com curvas e reviravoltas. Mas havia algo que nos unia especialmente, o tempo. Para fazer aquela aguardente Torres é preciso tempo, perseverança e um local para mimá-la, por isso na minha interpretação aparece a ampulheta, a escada como símbolo de esforço e uma fechadura, local fechado para que seja feita. Todos estes elementos, juntamente com as texturas e os campos de vinha, estão interligados no meu trabalho para Torres.

Você já fez algum outro trabalho de embalagem? Você gostaria de?
Colaborei recentemente com a marca americana Jaime Makeup, na embalagem de alguns adesivos para contorno de olhos. A proposta foi muito interessante porque desenhou o case e a caixa que o acompanha. Além disso, já haviam colaborado com um ilustrador para outros produtos e respeitavam muito o meu estilo. De minha parte, trabalhei com a gama de cores corporativa deles. Uma linguagem que entendo, a das marcas e do branding, pois a minha formação como artista gráfico permite-me aplicar organicamente a minha arte de uma forma que se adapte à marca.
Adoro estabelecer este tipo de colaborações, enriquece-me que a minha arte se adapte a diferentes formatos, seja embalagens ou têxteis ou outra proposta. No final um quadro pendurado na parede, as colaborações permitem atingir mais públicos e me fazem sair da monotonia.

Quais são seus próximos projetos?
Tenho um projeto que estou cruzando os dedos para ver acontecer, pois me deixaria feliz, mas ainda não posso falar dele. Acabamos de começar o ano e já existem propostas, mas neste momento são colaborações que não estão fechadas. Como referi, entretanto, concentrar-me-ei na minha exposição individual e no desenvolvimento de um importante corpo de trabalho para falar sobre o facto fortuito do encontro, não entre pessoas, mas entre pessoas e coisas, como os objectos influenciam o seu ambiente.